Paratext#34 con Maija Annikki Savolainen, Francisco Navarrete Sitja, Xavi Manzanares y Gazi Nafis Ahmed
Este nombre, Paratext, esconde una programación mensual de presentaciones de los artistas residentes en Hangar de larga y corta duración, así como de las residencias internacionales, siempre el miércoles, de 19 a 20:30 h. Varios artistas presentan en distintos formatos, proyectos concretos o partes de su trabajo. Las sesiones son siempre abiertas al público con el propósito de posibilitar la interacción con los propios artistas. Asímismo, cada Paratext cuenta con un redactor que posteriormente publica sus impresiones sobre la presentación en este blog. En esta ocasión el redactor será Lluís Nacenta.
La próxima sesión de Paratext tendrá lugar el miércoles 27 de febrero a las 19 h en la Sala Ricson de Hangar.
Presentarán sus proyectos:
Maija es una artista visual que trabaja con la fotografía y la instalación que obtuvo su Máster en Fotografía en la Universidad de Aalto en 2014. Con experiencia en el estudio de la biología, su trabajo tiende a combinar la ciencia natural y el arte. La luz del sol y los gestos fotográficos son temas significativos en sus prácticas.
Durante su residencia continuará trabajando con una serie en curso, Matter of Light. Es un conjunto de obras sobre las cualidades materiales de la luz solar que a redactado para convertirlo en un libro con dos narrativas paralelas: fotográfica y textual.
Las imágenes muestran el proceso de traducción del material que ocurre cuando se toma una foto – fotones y rayos de luz se adhieren a algo que es tangible- como la impresión fotográfica o un archivo digital. En las imágenes, sin embargo, no muestra equipo fotográfico, sino gestos que metafóricamente se refieren al intento de la fotografía de tocar y congelar la materialidad de la luz. A menudo utiliza hilos finos, papel o arena como herramientas para mostrar la posición de la luz y la sombra en la imagen. También se refieren a los elementos básicos de la creación de imágenes: línea, punto y volumen.
Los textos son representaciones científicas de la luz solar. Las escribe junto con la bióloga Dra. Titta Kotilainen. La combinación de enfoques científicos y metafóricos de la luz solar tiene por objeto abrir un debate entre el conocimiento científico y no científico, y cómo pueden apoyarse mutuamente.
La práctica artística de Navarrete reflexiona sobre la contemplación, temporalidad y subjetividad de la imagen y representación del territorio. De ahí que –superponiendo realidad y ficción, lo material e inmaterial, lo local y global– especula sobre determinadas narrativas asociadas a la construcción y performatividad de la mirada paisajística; interpela la dimensión simbólica de ciertas expresiones materiales de determinados contextos en tanto posibilitadoras de nuevos horizontes de sentido; y aborda diversos aparatos técnicos como configuradores de nuestra forma de ver, entender y situarse en el mundo.
De un tiempo a esta parte, Navarrete he adquirido sumo interés por la exploración de campo en diversas topografías, aproximándome así a problemáticas geopolíticas locales que intersectan la imagen, intervención técnica, naturaleza y sociedad. En este sentido, el artista se he dedicado a producir proyectos específicos a partir de su experiencia in-situ y análisis de espacios efímeros; trabajando en lugares invisibilizados o en estado de transformación debido a la condición dialéctica entre sus procesos de reconocimiento histórico y modulación de ciertas manifestaciones materiales –naturales y artificiales– propias del entorno. A Navarrete le interesan estos contextos, ya que me permiten interpelar subjetividades estandarizadas y generar relatos de contra-memoria –bifurcaciones– sobre distintas dinámicas de explotación del territorio; abriéndose paso a lo vulnerable, deriva, azar y otredades del mismo. Así, el artista establece un nexo afectivo con la geografía que le permite especular sobre la producción de imaginarios visuales.
Por otro lado, Navarrete trabaja con las posibilidades expresivas que el lenguaje fotográfico e imagen contemporánea permiten a través de sus múltiples formatos, medios, técnicas, modos de circulación no tradicionales y desplazamientos formales. Además, utiliza ideogramas, bitácoras, objetos, archivo, apropiaciones cinematográficas, entrevistas, paisaje sonoro y video animaciones, entre otros. A estos medios y recursos incorpora operaciones y metodologías propias de algunas disciplinas científicas como forma de aproximarme a otros modelos para organizar lo sensible o generar relaciones con el imaginario tecnocientífico.
Xavi Manzanares es Arquitecto por la ETSAB / UPC (2001). En el marco de la Arquitectura ha ido desarrollando una praxis no convencional de la profesión en colaboraciones con Straddle3 (Arquitectura Experimental y Social), NSP (bioarquitectura) o Congoritme / Bea Goller Arqs (Arquitectura y Diseño de Investigación). Después de un recorrido performativo y luthierístico en el marco de la música experimental bajo la identidad dAAX -que la ha llevado a recorrer diferentes escenarios y festivales alrededor del mundo desde el 2003-, en los últimos años ha estado colaborando en proyectos situados en las intersecciones de las artes, las ciencias y las tecnologías, en el marco de la cultura Open. Los más relevantes son los proyectos de Investigación Ondas Hápticas, Enjambres, Paisajes Aurales, MobilityLab o Sonic Spaces. Su práctica artística combina la sonología, la música experimental, las artes electrónicas, la programación creativa, el diseño de interacción, así como las prácticas ‘maker’, con una perspectiva de ingeniería crítica. El objetivo común en estas prácticas es situar escenarios de investigación como motores creativos y de materialización de experimentos, acciones y escenarios orientados a una vertiente perceptiva, cognitiva y sensitiva, sin olvidar sus implicaciones filosóficas, éticas y biopolíticas. Practicante insistente de la cultura Open desde 2003 en sus variantes (Open Culture / Research / Techs) ha publicado la investigación Ondas Hápticas (iniciada en 2015), varias releases sonoras, así como una serie de aplicaciones creativas accesibles y abiertas.
Gazi Nafis Ahmed es un artista de renombre internacional que trabaja en el ámbito de la fotografía. Nació el 21 de noviembre de 1982 en Dhaka. Sus trabajos exploran temas relacionados con los derechos humanos, el género y la sexualidad, la migración, el racismo y la xenofobia.
Sus obras han sido curadas por prestigiosos comisarios como Daniel Baumann (Director de Kunsthalle Zürich), Deepak Ananth, comisario indio radicado en París, Diana Campbell Betancourt (Directora Artística de la Samdani Art Foundation y Curadora Jefe del DAS), Bhavna Kakkar (Fundadora y Directora de Gallery Latitude 28), entre otros.
Realizó exposiciones individuales en el Centro Edward M. Kennedy y en el Instituto Goethe de Bangladesh. Ha sido el artista más joven en tener una exposición individual en la prestigiosa South Asian Bengal Gallery of Fine Arts fundada por la Bengal Art Foundation.
Su obra ha aparecido en las páginas del New York Times, The Guardian, Forbes, Bloomberg BusinessWeek y The New Yorker, entre otros. Además, han escrito sobre él el comisario John Zarobell del SFMOMA & Philadelphia Museum of Art y el galardonado escritor inglés Sean O’Hagan, entre otros.
La obra de Ahmed forma parte actualmente de importantes colecciones como la Samdani Art Foundation, la Brian Weinstein Collection y la Christies Specialist Collection, entre otras colecciones privadas.
En 2016, se convirtió en miembro honorario del Centro para el Estudio de la Diferencia Social de la Universidad de Columbia. Nafis recibió el premio Artist Protection Fund Award del prestigioso Instituto de Educación Internacional financiado por la Fundación Andrew W. Mellon de Estados Unidos en 2018.
Su trabajo ha sido objeto de difusión en Bangladesh, India, Países Bajos, España y Estados Unidos.
Foto: Maija Savolainen
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